Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos

Grupo formado por blogueiros que dedicam seu espaço à discussão da sétima arte

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Top 10: Philip Seymour Hoffman

Philip Seymour Hoffman

No início do ano, os cinéfilos foram surpreendidos com a prematura morte de um dos mais interessantes intérpretes em atividade. Nascido em Nova York, o ator Philip Seymour Hoffman participou de mais de 60 produções e entregou performances memoráveis, mesmo em filmes menores.

O ator teve justo reconhecimento em 2006 com o Oscar de Melhor Ator na pele do personagem-título em Capote. Mas antes disso, já tinha provado a que veio, tendo trabalhado com diretores do calibre de Paul Thomas Anderson, Spike Lee, Joel e Ethan Coen e Cameron Crowe. Atrás das câmeras, Hoffman assumiu a condução do singelo Vejo Você no Próximo Verão (2010), o qual protagonizou ao lado da atriz Amy Ryan.

Foi uma amostra relativamente pequena, porém robusta, do seu imenso talento. Dói pensar o quão magnífica seria sua carreira se uma maldita overdose de heroína não interrompesse a trajetória do ator, que completaria 47 anos nesta quarta-feira.

Em reconhecimento à sua rica contribuição para o cinema, a Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos presta um singelo tributo a Philip Seymour Hoffman, elegendo as 10 melhores performances do ator. De 29 trabalhos selecionados pelos membros votantes, eis o resultado.

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Actors are responsible to the people we play. I don’t label or judge. I just play them as honestly and expressively and creatively as I can, in the hope that people who ordinarily turn their heads in disgust instead think, ‘What I thought I’d feel about that guy, I don’t totally feel right now’

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 10

por João Paulo Barreto
Película Virtual

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Lester Bangs era a imagem da crítica musical independente. Durante os anos 1970, escreveu para revistas como a Rolling Stone e Creem, onde foi editor após a primeira tentar castrar a sua sinceridade autoral. No cenário jornalístico vendido daquela década, era uma espécie de salvação no quesito integridade profissional. A imagem do jornalista em seus escritos e trajetória era a de que você pode até flertar com o sucesso, mas lembre-se sempre de sua raiz independente. Philip Seymour Hoffman interpretá-lo foi apenas um dos muitos acertos de Cameron Crowe no retrato da cena roqueira setentista em Quase Famosos. Do mesmo modo que Bangs na crítica, Hoffman era a imagem de um cinema que primava por sua independência. Flertou com filmes pipoca, mas sempre voltava à suas origens com Paul Thomas Anderson, sua cara metade artística. Ambos partiram cedo demais. Nós ficamos com a mesmice.

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09

por Thomás R. Boeira
Brazilian Movie Guy

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Último filme que Mike Nichols dirigiu até o momento, Jogos do Poder traz o diretor em ótima forma contando a história de como o congressista norte-americano Charles Wilson ajudou os rebeldes afegãos a derrotar os exércitos soviéticos na década de 1980. No entanto, em um filme que traz um carismático Tom Hanks e uma elegante Julia Roberts, é Philip Seymour Hoffman quem mais se destaca. No papel de Gust Avrakotos, agente da CIA que passa a ajudar Wilson, Hoffman surge com uma intensidade admirável e rouba o filme sempre que aparece, chegando ao ponto de nos fazer sentir falta do personagem quando ele não está em cena. O ator protagoniza os melhores momentos do filme, e sua indicação ao Oscar (a segunda de sua carreira) foi mais do que merecida.

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08por Wallysson Soares

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Após uma série de papéis excêntricos que viriam a consolidá-lo no cinema (e inclusive lhe render um Oscar), Philip Seymour Hoffman interpreta em A Família Savage um homem comum. Com sensibilidade e ternura, resgata em Jon Savage preocupações diante de um pai adoecido e medos particulares que podem ser compartilhados por todos nós. Ao lado da excelente Laura Linney, entrega uma das suas mais sensíveis performances. Aliado ainda por bom roteiro e um personagem riquíssimo em nuances, está contido e conquista sem muito esforço por meio de uma presença em cena já conhecida. Além da maravilhosa química construída com Linney, transmite uma onda de sentimentos com olhares significativos e diálogos bem humorados. Uma pequena joia de filme e uma das atuações mais cativantes desse grande ator.

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07

por Rodrigo Torres
Cineplayers

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A trágica história de ascensão e queda pessoal na aurora da indústria pornográfica de Paul Thomas Anderson é uma obra-prima. Ponto. PTA alcançou esse feito em Boogie Nights – Prazer Sem Limites porque soube usar e abusar de todos os recursos cinematográficos possíveis, com dinamismo e estilo, sem jamais afetar a sensibilidade necessária para que sua premissa funcionasse – e o que acontece é o contrário, sendo tal característica acentuada. Para tal, ele tem a seu serviço um elenco de primeiro time, afinado, à vontade para improvisar e com assustadora profundidade. Isto é uma verdade tamanha que Philip Seymour Hoffman, talvez sexto ou sétimo nome do elenco, vai da excentricidade explícita de um Scotty J. bêbado ao protagonismo de uma cena de profundo apelo dramático, capaz de sintetizar e personificar o período de glória, excessos e ruína que o diretor pretendia emular. Isso acontece porque Seymour Hoffman, com 10 minutos em cena ou tendo um filme inteiro para si, marcou sua história com um comprometimento irrestrito com seus personagens e sua arte, e por isso tornou momentos de um papel de menor destaque – a exemplo da memorável cena de “Eu sou um idiota!” – mais um capítulo marcante de uma carreira brilhante.

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06

por Patrick Corrêa
Impressões de Um Cinéfilo

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Não é fácil ser Caden Cotard. Desafiador para qualquer intérprete, o protagonista de Sinédoque, Nova York está mergulhado em problemas de várias ordens, além de ser assombrado pela decrepitude física e mental. Nas mãos de Philip Seymour Hoffman, ganhou uma estranha verossimilhança em meio às estripulias metalinguísticas de um filme escrito e dirigido por Charlie Kaufman, dado a subversões do cânone narrativo. Ao viver um diretor teatral cuja obra se confunde com a própria vida , Hoffman precisou lançar mão de um arsenal de gestos, olhares e andares que poderiam soar apenas como cacoetes interpretativos, mas burlou esses riscos e entregou um de seus desempenhos mais lapidares em uma trama de abstração crescente para habitar.

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05

por Ivanildo Pereira
O Blog que Não Estava Lá

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De todos os personagens que Philip Seymour Hoffman interpretou nos filmes de Paul Thomas Anderson, o enfermeiro Phil Parma de Magnólia (1999) parece o menos chamativo. No entanto, Phil é um dos personagens-chave do filme. Ele é um observador dos outros dramas maiores, e é graças a ele que ocorre o momento-chave do filme, o reencontro entre Frank, personagem de Tom Cruise, e seu pai, vivido por Jason Robards. Em consequência, é desencadeada a antológica chuva de sapos do fim do filme, evento que muda para sempre as vidas dos outros personagens. A ideia do perdão – “O que podemos perdoar?” – é central para o filme e é trazida à tona por esse personagem, e o diretor percebeu a humanidade do ator ao escalá-lo para o papel.

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04

por Erika Liporaci
Artes & Subversão

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Há um motivo para que Capitu seja a personagem mais discutida de Machado de Assis: a dúvida que paira sobre seu caráter. Vítima atormentada ou mulher fútil e infiel? Em Dúvida, Philip Seymour Hoffman constrói sua interpretação com essa mesma dualidade. Seria o padre Flynn um homem incompreendido ou um pedófilo dissimulado? Hoffman faz com que Flynn pareça alternadamente inocente e culpado: ao mesmo tempo em que seu discurso soa indignado, resta sempre uma centelha de malícia no olhar. Ao final, é provável que continue a dúvida quanto à culpa do personagem, mas também a certeza a respeito do imenso talento desse grande ator que tão cedo nos deixou. Com esta inesquecível atuação, Philip recebeu a terceira de suas quatro indicações ao Oscar.

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03

por Alex Gonçalves
Cine Resenhas

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Um dos cineastas mais importantes da história do cinema, Sidney Lumet teve como “canto do cisne” Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto, um dos melhores títulos de sua vasta filmografia. Tendo dirigido o drama com mais de 80 anos, Lumet demonstrou uma vitalidade invejável e permitiu que todos os componentes de seu elenco entregassem interpretações arrebatadoras. Como a de Philip Seymour Hoffman, que encarna o protagonista Andy com uma fúria nunca apresentada em trabalhos prévios. Repulsivo, Andy não mede esforços para se dar bem na vida, mesmo que para isso seja necessário comprometer toda a sua família, que já experimenta um longo processo de declínio. Eis que entra Philip Seymour Hoffman e a sua capacidade de tornar empático um indivíduo que em nenhum momento apresenta alguma compaixão por todos aqueles que estão ao seu redor.

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02

por Lucas Ravazzano
Cinemosaico

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Em um filme que investiga o fascínio do culto e o modo como ele aprisiona os indivíduos, o personagem de Hoffman é a exata personificação da natureza atraente e controladora deste tipo de organização. Seu Lancaster Dodd é uma construção complexa e cuidadosa, transitando entre a imagem que projeta publicamente do carismático e articulado líder religioso enquanto que intimamente se revela instável e mais interessado no poder e influência que sua seita lhe dá do que em usá-la para trazer algum benefício para os outros. O ator transita de maneira orgânica e sensível entre a persona pública de Dodd e aquilo que poderíamos dizer que é seu verdadeiro eu, nos revelando aos poucos as rachaduras em sua fachada culta e polida e seu interior agressivo e inescrupuloso que age com ferocidade quando questionado.

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01

por  Isabel Wittmann
Estante da Sala

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Capote é baseado na história real a respeito da investigação que Truman Capote realizou para escrever A Sangue Frio, livro que mudou o jornalismo moderno nos Estados Unidos com seu uso de linguagem literária. Na película, Phillip Seymour Hoffman tem espaço para transbordar seu talento no papel título, pelo qual ganhou um merecido Oscar. Nem sempre é fácil a transposição de uma pessoa real para a tela, mas incorporando trejeitos, maneirismo e mesmo a peculiar voz da figura retratada, ele compõe um personagem longe do caricato e extremamente humano. Ainda que falho, a sutileza da interpretação nos leva a ter empatia e compreendê-lo em suas ações. Hoffman transpira Capote em cada poro, com uma atuação impactante que transcende a mera cinebiografia e o confirma como um dos grandes atores de sua geração.

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Ranking: Maio de 2014

Maio foi um mês bem recheado de lançamentos, seja nos cinemas, seja em homevideo, mas somente 1/4 dos lançamentos tiveram a amostragem mínima para encabeçarem o nosso ranking. Por isso mesmo, surpreende que o filme a obter a melhor média seja “Oslo, 31 de Agosto”, que recebeu um lançamento bem restrito no país – em São Paulo, o drama norueguês ficou em cartaz somente por duas semanas.

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Com uma trilha sonora bem utilizada, diálogos realistas e de amplo apelo à cultura pop, elenco bem articulado e um desfecho não tão interessante quanto o seu desenvolvimento (embora seja válido), o filme nos convida a refletir sobre nossas realizações pessoais, afinal, todos já paramos para pensar, ao menos em algum momento, sobre o que construímos até certo ponto e no que se configura a nossa existência.

Luiz Santiago (SP)Luiz Santiago, Plano Crítico

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Mesmo que “Oslo, 31 de Agosto” tenha obtido 80 de média, “Sob a Pele” e “X-Men: Dias de Um Futuro Esquecido” ficaram, respectivamente, em segundo e terceiro lugar por uma diferença mínima. Extremamente sensorial, o terceiro longa-metragem de Jonathan Glazer, uma adaptação para lá de livre do romance homônimo de Michel Faber, tem potencial para se transformar em uma obra de culto. Já Bryan Singer assegura “X-Men” como a franquia mais competente adaptada dos quadrinhos, embora o resultado de “Dias de Um Futuro Esquecido” esteja um pouco aquém de “Primeira Classe”.

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No fim das contas, Sob a Pele pode ser uma pequena tese sobre o momento da vida em que passamos a acreditar em nossas concepções como válidas e cabíveis, mas a verdadeira fascinação que o filme causa vem de jamais poder estar certo disso. Fato é que ninguém consegue se preparar para uma experiência como essa, ou esquecê-la tão facilmente.

Felipe André Silva (PE)Felipe André Silva, Pipocracia

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Nas demais posições, vale destacar “Mulheres ao Ataque”. Além de ser o lanterninha da vez, a comédia dirigida por Nick Cassavetes é, até o momento, o filme a receber a pior média entre todos os filmes lançados neste ano. Além do mais, “Mulheres ao Ataque” está bem distante de outros filmes abaixo da média, como “Uma Relação Delicada” (52) e “Amante a Domicílio” (50).

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Embora inseridas na medida certa, as cenas de ação não são as responsáveis por boa parte da empolgação gerada por X-Men. Bryan Singer aposta numa atmosfera de tensão permanente, a qual guia todos os filmes da franquia dirigidos por ele, sobretudo através do paralelismo entre futuro e passado.

Júlio Pereira (PE)Júlio Pereira, Cinetoscópio

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Para ver os demais resultados, basta visualizar a tabela disponível a seguir. O ranking de junho, justamente aquele responsável por fechar o primeiro semestre de 2014, deverá ser publicado na primeira segunda-feira de agosto. Aguardem.

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SBBC - Ranking Maio de 2014

 

Ranking: Abril de 2014

Se o ranking de março se mostrou pouco atrativo para os membros da Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos, que encontrou poucos títulos das listas de lançamentos que eram dignos de avaliações acima da média, pior resultado se vê no ranking de abril. Em uma lista com mais de 30 filmes submetidos para avaliação, somente 10 ultrapassaram a margem mínima de amostragem.

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Sobre “Cães Errantes”:

Um filme que leva à fadiga emocional, sem qualquer concessão, trilhando um caminho muito pessoal e muito ousado, feito de longas tomadas, cenários estáticos que exploram a imobilidade humana nessa metrópole moderna e cujo cotidiano se conta através de pinturas que parecem fotos (em pouco) movimento.

Mauricio Ribeiro, Spoiler Movies

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Tivemos dois filmes bem elogiados na última edição da Mostra Internacional de Cinema em São Paulo atingido as primeiras posições do ranking. Em primeiro lugar, temos “Cães Errantes”, anunciado pelo malaio Tsai Ming-Liang como o seu filme de despedida. Em segundo, “Cortinas Fechadas” é a nova produção de Jafar Panahi realizada às escondidas sob prisão domiciliar.

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Sobre “Cortinas Fechadas”:

É um filme doloroso e tristíssimo por isso que representa, ao mesmo tempo que vislumbra uma coragem muito grande em enfrentar uma situação tão difícil. É um filme sobre a impossibilidade de fazer, já fazendo. Não do jeito que se quer, mas na forma daquilo que lhe assalta naquele momento.

Rafael Carvalho, Moviola Digital

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Versão em longa-metragem de “Hoje Eu Não Quero Voltar Sozinho”, produção que se popularizou no Youtube, “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho” atingiu o terceiro lugar do ranking de abril. Cercado de elogios, o drama de Daniel Ribeiro resgata os protagonistas da obra original e conquista um número expressivo de público: com aproximadamente 200 mil ingressos vendidos, “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho” é o maior sucesso da distribuidora independente Vitrine Filmes, que já negociou os direitos de exibição para o mercado internacional.

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Sobre “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho”:

Realizado pelo estreante em longas-metragens Daniel Ribeiro, o filme não perde a ternura e sensibilidade exibidas pelo curta no qual foi baseado. Na verdade, pode-se dizer que o longa ganha mais tempo e recursos para explorar as descobertas e amadurecimentos de uma das fases da vida mais complexas e cheias de experimentações.

Cibele Chacon (PR)Cibele Chacon, Às Moscas

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Por conta do número pequeno de produções presentes no ranking de abril, é natural se deparar apenas com duas produções que atingiram uma média abaixo de 60. Se “Divergente” se mostrou um produto irregular para o público juvenil, “Toque de Mestre” não agradou uma boa parte dos fãs de thrillers da Sociedade.

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Ranking Abril de 2014

Ranking: Março de 2014

As listas com os lançamentos de março não foram recebidas com muito entusiasmo pelos membros da Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos, que se queixaram da ausência de um bom número de títulos. O resultado da insatisfação se espelha nos resultados do ranking de março, com quase 1/3 de filmes abaixo da média.

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Esta é uma obra que nos incita a fazer uma reflexão sobre a maneira como utilizamos a natureza para o nosso bem comum e que modificou a forma como esses parques trabalhavam. Porém, “Blackfish – Fúria Animal” ainda não cumpriu o seu papel de conscientizar as autoridades de que animais como Tilikum não devem continuar trabalhando. O lugar deles é no vasto oceano, livres para exercerem as suas funções de predadores.

Kamila Azevedo, Cinéfila por Natureza

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Nesta edição, os filmes vistos por um número não muito alto de espectadores nos cinemas e em homevideo se sobressaíram. Ótimo documentário lamentavelmente esnobado na última edição do Oscar, “Blackfish – Fúria Animal” não foi exibido no circuito comercial, mas teve uma bela acolhida em seu lançamento em DVD pela Universal. É o filme a ocupar o primeiro lugar de nosso ranking e tudo indica que ele será lembrado no próximo Blog de Ouro.

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Como os melhores filmes de sua terra, Eles Voltam tem a capacidade de refletir sobre o Brasil, especialmente nas suas lutas de classe que possuem resquícios de um passado histórico recente, a partir de uma situação regional. Mas é também um filme intimista que espreita misteriosa e silenciosamente uma protagonista posta em percurso.

Rafael Carvalho, Moviola Digital

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Exibidos em um circuito restrito, “Eles Voltam” e “Um Episódio Na Vida de Um Catador de Ferro-Velho” ocupam, respectivamente, o segundo e terceiro lugar do ranking de março. Vencedor do Festival de Brasília nas categorias de Melhor Filme, Melhor Atriz (Maria Luiza Tavares) e Melhor Atriz Coadjuvante (Elayne de Moura), “Eles Voltam”, marca a estreia promissora de Marcelo Lordello na direção. Já “Um Episódio na Vida de Um Catador de Ferro-Velho” acumula críticas positivas desde sua exibição na última edição do Festival do Rio.

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Um Episódio Na Vida de Um Catador de Ferro-Velho em primeiro lugar coloca a questão da representatividade da rotina no cinema de Danis Tanovic. Vemos sua funcionalidade em um filme sem eixos e tão áspero quanto a realidade. Tanovic logo constata que a tendência em vivermos em comunidades e afastarmos nosso olhar do próximo ainda é atual.

Pedro Tavares, Cinema o Rama

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Primeiro fracasso comercial e artístico do cineasta Jason Reitman, “Refém da Paixão” é o primeiro título do ranking a representar o rol de filmes com resultados abaixo da média. Continuação um pouco tardia de “300″, “A Ascensão do Império” é o lanterninha do mês, embora conte com um trabalho de Eva Green de causar calafrios. As demais médias podem ser vistas na tabela abaixo.

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Ranking Março de 2014

Especial Eduardo Coutinho

Eduardo Coutinho

Ainda estamos no quinto mês de 2014 e o ano já se mostra imperdoável para a classe cinematográfica no sentido de perdas e lutos. Dá para listar dezenas de profissionais que contribuíram positivamente com a Sétima Arte e que se depararam com o fim do caminho nos últimos meses. Entretanto, vamos nos ater a quem esse especial é dedicado. Considerado por muitos como o maior documentarista do mundo, o carioca Eduardo Coutinho deixa um legado inestimável e enriquecedor para a cinematografia brasileira e para a História do Audiovisual.

Hoje, dia 11 de maio, Coutinho completaria 81 anos de vida e 52 de cinema. A Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos não poderia deixar a data passar em branco e presta uma singela, mas tenra homenagem a um dos grandes realizadores brasileiros. Na seleção, tivemos de excluir os curtas e médias-metragens assinados por Coutinho em função da inacessibilidade dos filmes. Entretanto, os 17 longas-metragens que compõem sua rica filmografia são lembrados e comentados a seguir por alguns membros da SBBC.

Descanse em paz, gigante.

 

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Filmografia Comentada

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A Família de Elizabeth TeixeiraA Família de Elizabeth Teixeira (2014)
Se Cabra Marcado para Morrer já era um filme sobre reencontro e legado, A Família de Elizabeth Teixeira reafirma este caminho. Ao lado de Sobreviventes da Babilônia, outra produção de Coutinho para o DVD comemorativo de Cabra lançado em 2014, o diretor usa seu cinema de conversa para revisitar antigos personagens e estabelecer a ponte entre a luta de João Pedro Teixeira e o que restou de sua família após o filme. Entre um depoimento e outro, o cineasta se depara com o próprio legado ao encontrar uma nova Elizabeth Teixeira, professora influenciada pelo filme original que segue a luta do avô João Pedro de seu jeito, levando adiante a mensagem divulgada por sua família e por Coutinho. Gabriel Billy – Dias de Cinefilia

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As CançõesAs Canções (2011)
São 90 minutos de depoimento e música, num único cenário teatral. Sem qualquer alteração, dinamismo ou disfarce, fica claro que esse tipo de produção e ousadia não são, definitivamente, para qualquer um. Há algo singular na sensibilidade de Eduardo Coutinho no garimpo de histórias de vida e, no caso específico de As Canções, na escolha de pessoas que sabem cantar as músicas da sua vida. Consegue fazer rir e emocionar com histórias de gente simples, contos cotidianos. Cada personagem canta a canção que marcou uma fase da vida e, por isso, tem o tom genuíno de quem improvisa uma nota, resgata um sentimento no fundo da alma e encontra um verso para transmiti-lo genuinamente. Difícil ser dissimulado num momento desses. Por isso Coutinho é tão genial. Suzana Vidigal – Cine Garimpo

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Um Dia na VidaUm Dia na Vida (2010)
Um Dia na Vida é um trabalho de Eduardo Coutinho dificilmente será exibido comercialmente nos cinemas ou na televisão. Isso porque o diretor gravou um dia inteiro da programação dos canais da TV aberta brasileira e, passando por cada um deles ao longo do filme, expôs muito do que há de errado naquilo que é exibido. Sem nenhum tipo de narração em off que poderia guiar o pensamento do público, Coutinho basicamente mostra que a TV aberta chega a ser uma piada de mau gosto, com programas absurdos que ajudam na alienação das pessoas, além de estimular seus telespectadores de uma forma bastante questionável e perigosa em determinados aspectos. Assim, o diretor faz um documentário do qual é difícil não sair um pouco indignado, e é triste constatar que de 2009 (quando ele gravou a programação) para cá as coisas não mudaram muito. Thomás R. Boeira – Brazilian Movie Guy

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MoscouMoscou (2009)
Eduardo Coutinho faz de Moscou aquele que pode ser considerado um dos seus documentários mais experimentais. Isso dentro de uma ampla filmografia que enriqueceu e consolidou o gênero no cinema nacional. Nesta produção, vinda após o sucesso de Jogo de Cena, Coutinho propõe ao grupo teatral Galpão a preparação para uma montagem de As Três Irmãs, do russo Anton Tchékhov, durante três semanas. Não haverá qualquer apresentação ao público e o que visualizamos é um filme que condensa em um pouco mais de uma hora os registros de bastidores em que intérpretes repassam e encenam o texto de Tchékhov ao mesmo tempo em que não resistem a oportunidade de compartilharem memórias ternas ou dolorosas. É o que basta para que Coutinho novamente ressalte em seu registro a mescla entre ficção e realidade.Alex Gonçalves – Cine Resenhas

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O improviso, o acaso, a relação amigável, às vezes conflituosa, entre os conversadores dispostos, em tese, os dois lados da câmera – esse é o alimento essencial do documentário que procuro fazer.

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Jogo de CenaJogo de Cena (2007)
Com “Jogo de Cena”, Eduardo Coutinho experimenta os limites dos gêneros, ao misturar depoimentos de pessoas reais com atrizes interpretando o texto. O objetivo, diriam alguns, poderia ser descobrir o que é verdade e o que é encenação.  Mas, o que é realmente verdade quando estamos na frente de uma câmera? Este, talvez, seja o maior questionamento do filme. Principalmente, quando as atrizes mais conhecidas expõem um pouco da própria experiência, como a preocupação do colírio de Marília Pêra, a dificuldade de Fernanda Torres que pede para repetir várias vezes (e tudo permanece no filme) ou a revolta de Andréa Beltrão por ter chorado. Tudo de maneira simples, direta, com pouca variação de planos, no palco de um teatro, mais simbólico impossível. Essa capacidade que Coutinho sempre teve de brincar com as possibilidades em cena que o fez marcar mais uma vez a história do cinema brasileiro. Amanda Aouad – CinePipocaCult

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O Fim e o PrincípioO Fim e o Princípio (2006)
Circularidade é o que o filme propõe. Vida e morte. Conhecimento e ignorância. Personagem e diretor. Fim e princípio. Para mim um está contido no outro, não existe separação: morte está na vida, vida está na morte, etc. Não sei se pode chamar de técnica ou de método, parece meio insuficiente, logo prefiro magia: a magia de Eduardo Coutinho plenamente realizada em O Fim e o Princípio. Colocado como meta inicial pelo diretor – “Eu quero intimidade” -, o filme alcança todos os níveis de intimidade. A universalidade do particular é explícita: os anseios, os desejos, os medos, as paixões, os amores, as realizações, as ilusões, enfim, as vivências. A filosofia está no cinema, o cinema está na filosofia e os dois estão em Eduardo Coutinho. Erasmo Penteado – Vision de Cinematique

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Peões 1Peões (2004)¹
Equilibrando imagens de arquivos e outros documentários – de modo a estabelecer as motivações e ideologia da luta conjunta da classe operária, sobretudo nas greves de 1979/80 -, com entrevistas individuais realizadas pelo documentarista – propostas a estabelecer as singularidades e dramas de cada um daqueles que se envolveram nesta luta por seus direitos – e inteligentemente contextualizadas no ano da consagração do movimento como liderança política, Eduardo Coutinho realizou, com o seu Peões, um retrato fundamental para uma classe tão importante em nossa sociedade e suas principais realizações, conseguindo fazer observações imprescindíveis a respeito das más influências da ditadura em relação ao trabalho operário, do excesso de poder privado e da necessidade de lutar por seus direitos, tudo isso de forma extremamente sensível, como Coutinho bem sabe fazer. Leonardo Lopes – LoGGado

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Peões 2Peões (2004)²
Peões não é um filme militante,  oportunista ou panfletário. O documentário de Eduardo Coutinho não busca selecionar somente entrevistas ideologicamente favoráveis ao ex-presidente Lula, numa espécie de propaganda partidária. Há uma ovação muito honesta dos depoentes em relação ao antigo líder das famosas greves nas fábricas do ABC paulista. Mais do que as revoltas por si, Coutinho mantém a tradição de seu cinema, encontrando o indivíduo dentro do coletivo justamente para a formação de um coletivismo heterogêneo. Assim, Peões mostra como o espírito revolucionário presente nas greves permanece forte dentro do coração de quem as protagonizou, visto que vários permanecem marxistas. Dando voz ao povo, oferecendo o protagonismo político merecido pela classe trabalhadora, Coutinho filma o registro do pensamento que acabou levando Lula ao poder. Júlio Pereira – Cinetoscópio

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Todo filme de ficção é também um documentário. Todo filme histórico de ficção é uma contradição em termos, porque todos acabam sendo um documentário de sua época, acaba não sendo apenas uma ficção.

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Edifício MasterEdifício Master (2002)
Edifício Master. 12 Andares. 23 por andar. 276 conjugados. 500 pessoas. Localizado em Copacabana, um dos bairros mais populosos do Rio de Janeiro, quiçá do Brasil. Durante sete dias, Eduardo Coutinho e sua equipe entrevistaram os moradores. Edifício Master. Outrora sombrio agora luminoso. Edifício Master. Pessoas comuns, invisíveis, talentosas, batalhadoras. Edifício Master. Volta por cima. Amores. Amizade. Desilusões. Angústia. Sonhos. Realidade. Vida. Morte. Solidão… Solidão no meio de tantos. Edifício Master. Memórias. Nostalgia. Tristeza. Felicidade. Novas perspectivas. Saudade… Edifício Master. Poesia. Pintura. Literatura. Televisão. Cinema. Música. Edifício Master. Edifício Mestre. Eduardo Coutinho. Inesquecível. My Way. Celo Silva – Espectador Voraz

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Babilônia 2000Babilônia 2000 (1999)
Em 31 de dezembro de 1999, cinco equipes lideradas por Eduardo Coutinho se espalharam pelo Morro da Babilônia, comunidade carente do Rio de Janeiro. Os produtores diziam aos moradores que o intuito das filmagens era saber a expectativa de cada um sobre a chegada do novo milênio. Obviamente um pretexto para conhecer a vida desses personagens. O nome do documentário também diz respeito à antiga cidade-estado Acadiana, cujo declínio se deu por conflitos religiosos. Além disso, o diretor e os demais envolvidos na produção lançavam perguntas sobre religião. Daí surgiram afirmações curiosas, como a da ex-hippie Fátima, que acreditava que em breve a humanidade chegaria ao fim. Ou então o comovente depoimento de Conceição, que não enxergava mais sentido na vida: “Peço todo dia para [Deus] me levar. Ficar sozinha aqui pra quê?”. Babilônia 2000 está entre os melhores trabalhos de Coutinho. Houldine Nascimento – A vida em 24 fps

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Santo ForteSanto Forte (1999)
Para um ateu convicto como o Coutinho, é muito curioso o interesse pelas religiões e, mais que isso, pela relação das pessoas de uma comunidade pobre com suas crenças. Mas esse filme ultrapassa a mera descoberta dos grandes personagens anônimos, com histórias sempre incríveis e sua entrega para a câmera, porque a equipe de filmagem se faz presente em cena, percorrendo um morro da zona sul do Rio de Janeiro em busca de gente e seus relatos. Assim, Santo Forte coloca em questão as próprias facetas da narrativa documental, mas sem autoimportância. E eles encontram ali um microcosmo que representa muito bem um povo tão apegado às forças do crer, passeando pelas mais variadas religiões. Saravá, Coutinho. Rafael Carvalho – Moviola Digital

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Boca de LixoBoca de Lixo (1993)
Mais do que desnudar uma realidade ignorada e desconhecida por muitos, o principal mérito do documentário é dar a essas pessoas o espaço para que elas se coloquem com naturalidade diante nós. Deixamos, então, de vê-los como indivíduos distanciados de nossas vidas para perceber esses sujeitos como pessoas iguais a nós, que não querem ser vistas como marginalizados ou criaturas que reviram lixo, mas como indivíduos merecedores de respeito e dignidade, com anseios, desejos e talentos similares aos de qualquer um, devolvendo-lhes assim a humanidade que costumeiramente lhes é constantemente negada. Ao diminuir as distâncias que nos separam daquelas pessoas, Coutinho torna a realidade em que vivem ainda mais inaceitável. Lucas Ravazzano – Cinemosaico

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Na minha experiência, verifiquei a extraordinária riqueza das falas de analfabetos, sobretudo em regiões menos industrializadas. Assim, é mais tentador investigar um pequeno tema do cotidiano no Nordeste, por exemplo, do que um grande tema em São Paulo.

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O Fio da MemóriaO Fio da Memória (1991)
Em O Fio da Memória, o fragmento é o instrumento de investigação da câmera de Eduardo Coutinho sobre a experiência negra no Brasil. E é do conjunto de fragmentos que testemunhamos cem anos se passarem da abolição da escravatura e a condição social do negro brasileiro se estancar no racismo velado e na marginalização. Nesse sentido, o fato do filme ter como um de seus motores a memória de Gabriel Joaquim dos Santos – o filho de escravos que escreveu um diário e teve seus restos mortais jogados num saco plástico sem identificação – serve justamente como metáfora da ausência de uma identidade étnica da população negra brasileira. É aí que Coutinho atesta com brilhantismo a falência axiológica brasileira: ao negro preocupado com a preservação do seus registros não resta o mínimo de dignidade. Yuri Deliberalli – Discurso Cinematográfico

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Santa Marta - Duas Semanas no MorroSanta Marta – Duas Semanas no Morro (1987)
Uma análise comparativa de outros documentários sobre o tema com Santa Marta revela o aspecto único da obra de seu cineasta. Pois, se diretores em geral se atêm a dados de pesquisa e fatos em curso, a fim de conferir relevância a sua denúncia, a Coutinho basta o relato. Em dar voz e visibilidade a uma gente excluída – e cumprimentá-la, beijá-la, abraçá-la de fato -, ele tira esse povo da margem, e não apenas pela duração de um curta-metragem; esse contato tem o intuito e o poder de ser um transformador na vida dos indivíduos retratados. Assim, o caráter investigativo vem apenas em terceiro plano. Em primeiro e em segundo, o fator humano, este, sim, o diferencial de sua obra. E ninguém fez isso como Eduardo Coutinho. Rodrigo Torres – Cineplayers

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Cabra Marcado Para MorrerCabra Marcado Para Morrer (1985)
No filme, a família de um líder camponês assassinado ilustra a fragmentação de um povo a partir da desigualdade, da luta de classes e da repressão ditatorial. A partir de gravações interrompidas em 1964 por conta do golpe militar, o documentário traça um paralelo entre passado e presente através da junção das poucas imagens registradas naquele ano por Eduardo Coutinho, suas lembranças e depoimentos das pessoas envolvidas a época na produção. Assim, vê-se tanto uma análise ampla da realidade de trabalhadores vilipendiados por latifundiários quanto um estudo restrito das consequências arcadas por cada indivíduo, daí Jean-Claude Bernardet afirmar que o título é um divisor de águas dentro do gênero documental, dada sua tendência híbrida na qual coexistem as naturezas moderna (abordagem coletiva) e contemporânea (abordagem individual). Dario Façanha – Sétima Crítica

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Teodorico, o Imperador do SertãoTeodorico, o Imperador do Sertão (1978)
Há uma clausura no nordestino. Alguém que o tempo e o progresso esqueceram. Em Theodorico, Imperador do Sertão há duas vezes mais clausura: (1) a do Nordeste, e tudo que isso impõe e (2) A clausura do sertanejo ser subserviente ao major Theodorico Bezerra. O longa foi filmado como parte do programa Globo Repórter. Coutinho em grande parte colaborou para um novo jeito de fazer TV, mas mais que isso, em Theodorico encontramos o ponto de partida da própria caligrafia de seu cinema. Em certo ponto, Coutinho rejeita de uma vez por todas a publicidade e a afetação, dando preferência a um cinema simples, bruto e direto. Não há a necessidade de enquadramentos substanciosos e chamativos: o que lhe é necessário é somente o confronto com o seu personagem ou seu signo. Victor Bruno – Ornitorrinco Cinéfilo

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Creio que a principal virtude de um documentarista é a de estar aberto ao outro, a ponto de passar a impressão, aliás verdadeira, de que o interlocutor, em última análise, sempre tem razão. Ou suas razões. Essa é uma regra de suprema humildade que deve ser exercida com muito rigor e da qual se pode tirar um imenso orgulho.

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FaustãoFaustão (1971)
Em Faustão, exemplo singular de sua carreira pré-documentário, Coutinho já demonstrava talento pra destrinchar a natureza humana de personagens reais e/ou fictícios. Como em seus docs, o compartilhar das dores e reflexões intrínsecas ao homem é o grande mote de Faustão, faroeste que conta a história do cangaceiro Faustino Guabiraba, cangaceiro com sutis traços de Robin Hood da caatinga. Produto do meio e consciente da própria desgraça, ele flerta com a barbárie, mas mantém um rígido código moral. A mais marcante de suas muitas reflexões sobre a vida está naquela que cede a mulher que lhe pediu um filho. “Minha flor, essa vida não deixa. Cada dia num lugar, polícia atrás. Depois que me matam, ainda vão buscar os filhos. Um despotismo da desgraça. E se escapar, ainda tem a seca. E se Deus der a benção, o barrigudinho cresce para ser trabalhador triste de sol a sol ou vai pegar no trabuco tal qual o pai. Não é o homem, é o Sertão”. Conclusão pertinente de alguém que abraçou a caatinga como campo de batalha. João Paulo Barreto – Película Virtual

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O Homem Que Comprou o MundoO Homem que Comprou o Mundo (1968)
Pensar a carreira de Eduardo Coutinho como documentarista traz à tona as sutilezas do realizador para investigar a fundo o ser humano em diversas óticas e motivações. Porém, em um dos poucos exemplares de Coutinho como diretor de um filme de ficção, sua sagacidade para criticar um país que vivia a ditadura militar é admirável. A exemplo de Terra em Transe de Glauber Rocha, com o controle entre o humor negro e a representação lírica e principalmente visual do filme, Coutinho faz de O Homem que Comprou o Mundo um paralelo com o Brasil da época e profetizou com extremo pessimismo o que viria – e acertou. O homem que ficou rico da noite para o dia e que gostaria de usufruir um novo tempo após o casamento foi impedido pelo governo. Em questão de minutos estava à frente de uma burocracia inexplicável e no interesse político mais incrustado na representação de um país mergulhado na miséria. Dos militares hipnotizados pelo futebol à mídia manipuladora, Coutinho fez um filme sobre ontem e hoje. Pedro Tavares – Cinema O Rama

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Ranking: Fevereiro de 2014

Como de hábito, as distribuidoras aproveitam o primeiro trimestre de um ano para lançar em circuito comercial várias produções que receberam alguma nomeação ao Oscar. É o momento para atrair números mais elevados de espectadores, uma vez que a maioria se deixa seduzir pela etiqueta de “Indicado ao Oscar” sempre estampada nos pôsteres.

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“Os irmãos Coen se interessam justamente por esse universo sem brilho, em que uma paleta de cores escuras só faz dar destaque ao fracasso.”

Eder AlexEder Alex (PR), Cinema por Escrito

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Caso “Inside Llewyn Davis: Balada de Um Homem Comum” e “Nebraska” não fossem lembrados na última edição das principais premiações cinematográficas, certamente teriam seus lançamentos adiados de fevereiro para uma data indeterminada. São justamente, aliás, os dois filmes que competiram com muita obstinação o primeiro lugar do nosso ranking de fevereiro. Por uma diferença bem minúscula, o novo filme dos irmãos Coen conseguiu o destaque.

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“Existe humor, drama e várias reflexões nesse road movie que utiliza muito bem uma das ferramentas mais interessantes de longes desse gênero: a de apresentar personagens passageiros para moldar a personalidade e as motivações do protagonista.”

Matheus Pannebecker, Cinema e Matheus Pannebecker (RS)Argumento

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Também finalistas ao Oscar, “Ela” (vencedor da estatueta de Melhor Roteiro Original) e “12 Anos de Escravidão” (laureado nas categorias de Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Atriz Coadjuvante) ocupam, respectivamente, o terceiro e quarto lugar do ranking com médias muito favoráveis. O mesmo não pode ser dito sobre mais dois finalistas ao último Oscar, também lançados em fevereiro: “Clube de Compras Dallas” e “Trapaça” definitivamente não agradaram a todos.

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“Tratando-se de um filme dos irmãos Coen, não estamos no campo da resiliência e da vitória consumada que tanto se vê no cinema americano recente e passado.”

Yuri Deliberalli (SP)Yuri Deliberalli, Discurso Cinematográfico

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Em um balanço geral, é possível dizer que o mês de fevereiro foi extremamente positivo. Como aponta os resultados ilustrados na tabela a seguir, somente “Caçadores de Obras-Primas” recebeu uma média muito abaixo do esperado, especialmente por se tratar de um longa-metragem dirigido por George Clooney.

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ModFinal

 

 

Ranking: Janeiro de 2014

Após a divulgação dos vencedores do Blog de Ouro 2014 e da seleção de novos membros, a Sociedade Brasileira de Blogueiros volta a sua programação normal com o primeiro ranking de 2014. Nele, mais de quarenta membros avaliaram os lançamentos assistidos do mês de janeiro tanto no circuito comercial quanto em homevideo. A lista contou com mais de 50 títulos, mas somente 16 tiveram uma amostragem acima do estabelecido pela direção no processo de apuração.

Cine Festivais - O Lobo de Wall Street

Nova parceria entre o cineasta Martin Scorsese com o ator Leonardo DiCaprio, “O Lobo de Wall Street” obteve a melhor média do mês. Indicado a cinco Oscars, o longa-metragem se mostrou controverso por todos os lugares em qual foi exibido. Entre os membros da SBBC, “O Lobo de Wall Street” foi recebido com amor e ódio extremos, mas as avaliações positivas prevaleceram de modo arrasador.

Cine Resenhas - O Lobo de Wall Street

O segundo lugar é ocupado por “O Gebo e a Sombra”, de Manoel de Oliveira, o mais velho cineasta em atividade. Ainda que lançado em circuito para lá de restrito, a coprodução luso-francesa foi recebida com entusiasmo pelos poucos espectadores que pôde vê-lo. Recepção parecida se deu com “Quando Eu Era Vivo”, uma produção de terror bem rara em nossa cinematografia dirigida por Marco Dutra, que antes estabeleceu uma parceria por trás das câmeras com Juliana Rojas no também aclamado “Trabalhar Cansa”.

CinePipocaCult - O Lobo de Wall Street

Entre os filmes abaixo da média, “47 Ronins” é a prova de que Keanu Reeves já não tem mais a mesma força à frente de uma grande produção, enquanto “Virginia” sugere que Francis Ford Coppola não resgatou de modo adequado os elementos presentes em suas primeiras produções. Sequência de “Machete”, “Machete Mata” é mais um equívoco na filmografia de Robert Rodríguez e nem o elenco estelar foi capaz de torná-lo um sucesso comercial, influenciando a decisão da Imagem Filmes em lançá-lo direto para o mercado de vídeo.

Confiram na íntegra o ranking de janeiro:

Ranking | Janeiro de 2014